Fleurs du Mal Magazine
Or see the index
In materials as diverse as wood, steel, bronze, latex, marble, plaster, resin, hemp, lead, ink, pencil, crayon, woodcut, watercolor and gouache, Louise Bourgeois (1911–2010) investigates every imaginable manifestation of the spiral, from graphic patterns to graphite whorls, wobbly orbits to chiseled vortices, twisted columns to coiling snakes, staircases and pyramids.
The cursive blue-paper word drawings also included, in English and French, complement the purely visual works by conveying the spirit of Bourgeois’ writing in extraordinary pictorial forms.
Bourgeois called the spiral “an attempt at controlling the chaos. It has two directions. Where do you place yourself, at the periphery or at the vortex?”
In another context, she has also stated “I would dream of my father’s mistress. I would do it in my dreams by wringing her neck.
The spiral—I love the spiral—represents control and freedom.”
Louise Bourgeois:
Spiral
Text by Louise Bourgeois (Artist)
Hardcover
84 pages
Publisher: Damiani
(February 19, 2019)
Language: English
ISBN-10: 886208644X
ISBN-13: 978-8862086448
Product Dimensions: 9.2 x 0.8 x 12 inches
$50.00
# new book
Louise Bourgeois
Spiral
• fleursdumal.nl magazine
More in: - Book News, - Bookstores, Archive A-B, Art & Literature News, Louise Bourgeois, Sculpture
2019 Jubileumjaar Lustwarande
26 mei – 20 oktober
In 2019 jubileert Lustwarande. Delirious is de tiende expositie in park De Oude Warande.
Ook paviljoen Grotto, door Callum Morton voor De Oude Warande ontworpen, bestaat tien jaar.
Lustwarande start het seizoen op 26 mei met de eerste van twee edities van Brief Encounters ’19.
2019 Jubileumjaar Lustwarande
Delirious
15 juni – 20 oktober
Delirious presenteert een overzicht van recente ontwikkelingen en focust op materialiteit, de huid van hedendaagse sculptuur.
Met nieuw werk van zesentwintig kunstenaars, onder wie Isabelle Andriessen (NL) – Steven Claydon (UK) – Claudia Comte (CH) – Hadrien Gerenton (FR) – Camille Henrot (FR) – Nicholas Hlobo (SA) – Saskia Noor van Imhoff (NL) – Esther Kläs (DE) – Sarah Lucas (UK) – Justin Matherly (US) – Bettina Pousttchi (DE) – Magali Reus (NL) – Bojan Šarčević (RS) – Filip Vervaet (BE)
curatoren: Chris Driessen & David Jablonowski
2019 Jubileumjaar Lustwarande
Brief Encounters ‘19
26 mei & 8 september
Op 26 mei presenteert Lustwarande de eerste editie van Brief Encounters van dit jaar, met nieuwe performances van Melanie Bonajo (NL), William Hunt (UK) en Grace Schwindt (DE).
Het programma wordt begin mei bekend gemaakt.
Op 8 september vindt de tweede editie plaats, met onder andere nieuw werk van Gosie Vervloessem (BE).
curatoren: Chris Driessen & Lucette ter Borg
Locatie: Lustwarande – park De Oude Warande, Tilburg
# meer info op website fundament/lustwarande
• fleursdumal.nl magazine
More in: - Book News, Art & Literature News, Art Criticism, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, Fundament - Lustwarande, Natural history, Performing arts, Sculpture
Maartje Korstanje staat als mens en als kunstenaar in nauw contact met de natuur. Voor Korstanje ligt de schoonheid niet enkel in de perfectie van de natuur, maar in de kringloop van het leven. Het samenspel tussen leven en verval, waar groei en aftakeling deel uitmaken van de onomkeerbare fases van het leven, waarin het één niet zonder het ander kan bestaan.
In het proces van aftakeling toont zich tevens de schoonheid van het ongeschonden leven. Het contrast tussen aftakeling en het nog niet aangedane fascineert Korstanje mateloos. Alsof je pas kunt zien hoe mooi iets wàs, wanneer het aangevreten door de tijd, al gedeeltelijk weg geknabbeld is.
Veel mensen herkennen de schoonheid van de herfst: het fel rood en geel van een blad en de prachtige kleuren en vormen binnen een diversiteit aan paddenstoelen en schimmels. De afbraak zie je in zijn volle glorie: een noodzakelijk proces om bouwstoffen te leveren voor nieuw leven. De paddenstoelen en schimmels verschijnen als onverwacht gasten in de natuur. Deze wonderlijk mooie organismen kunnen enkel leven op een oudere drager, die als voedingsbodem dient voor het nieuwe wat zich erin nestelt. Korstanje houdt net zo veel van die oude drager als van de ‘Unexpected Guests’.
Zoals de natuur haar producten recyclet, zo kiest Korstanje een simpel materiaal als karton dat zij recyclet tot bouwmateriaal voor haar beelden. Het is niet alleen goedkoop en overal aanwezig, maar heeft ook het voordeel van een natuurlijke uitstraling. Door vloeibare lijm aan het karton toe te voegen wordt het tot karton-maché ; een substantie, die haar in staat stelt op een directe manier, met haar handen, te bouwen en te vormen.
Deze manier van beeldhouwen vergt veel tijd. Delen worden verwijderd wanneer het teveel oogt, of er wordt, laag over laag, meer materiaal aan toegevoegd. Vergelijkbaar met het groeiproces in de natuur, groeit het beeld in volume.
In dit werkproces is een overeenkomst te vinden tussen het verloop van de natuurlijke processen, zoals groei en verval, constructie en deconstructie en het creëren van een beeld, dat een creatief groeiproces doormaakt. Korstanje blijft door de jaren heen trouw aan haar werkwijze en laat het werk langzaam evolueren. Hoewel ook door de ratio ingegeven ideeën haar inspireren, blijven intuïtie en verbeelding uiteindelijk de belangrijkste drijfveren.
Naast het plantaardige karton gebruikt ze materialen als purschuim en diverse kunststoffen, waarmee ze contrast aanbrengt in het werk. Onder de ‘gelooide’ kartonhuid verschijnt opeens een vlees-roze orgaanachtige vorm. Het is eng, maar toch mooi. Je kunt je ogen er niet vanaf houden.
Aanvankelijk maakt ze sculpturen die sterke associaties oproepen met dieren of dierlijke organismen. De prettig-aardse beelden laten je vrij associëren. Je lijkt het te herkennen, maar toch ook weer niet. Het is alsof je oog in oog staat met een organisme uit een pas ontdekte aardlaag, uit een ander tijdvak. Een prachtige vondst van een paleontoloog, die je in een wonderkamer mag aanschouwen..
Haar beelden hebben een grote uitdrukkingskracht, ze trekken aan en stoten af, het gruwelijke en het tedere gaan hand in hand. Door het vaak grote volume verhoudt de kijker zich ook lichamelijk met het beeld.
Tegenwoordig zoomt het werk thematisch in naar microscopisch niveau en wordt het tevens abstracter en minder letterlijk te herleiden naar een bepaalde dierlijke of plantaardige oorsprong. Deze ontwikkeling wordt ingegeven door de kennismaking in 2014 met een nieuwe techniek, het machinaal borduren.
Op uitnodiging van het TextielMuseum in Tilburg wordt Korstanje gevraagd een beeld te maken voor de collectie. De fijne techniek van het borduren nodigt uit om het thema groei en verval dit keer onderhuids te onderzoeken. Ze start op de borduur-afdeling een onderzoek op naar virussen, bacteriën en kankercellen en zet dit om in borduurwerk. Uiteindelijk wordt er gekozen om een patroon geënt op het influenzavirus te borduren op een oud roestig zeildoek wat geïncorporeerd werd in een holle sculptuur van karton.
De beelden hebben er nu een dimensie bijgekregen door het grovere materiaal te combineren met een fijner dradenweefsel. Hoewel Korstanje altijd al fijnere bewerkingstechnieken toepaste op haar beelden, worden de werken nu letterlijk nog dichter op de huid gemaakt. De vrouwelijke factor van de fijne draadtechniek wordt toegevoegd aan het construerende zwaardere werk.
In 2015 vervolgt Korstanje haar onderzoek naar traditioneel handwerk in India, waar ze o.a. de Kantha borduurtechniek bestudeert. De verworven vaardigheden past ze toe in een nieuwe werkwijze.
In 2016 woont en werkt Korstanje een heel jaar in New York. In een atelier zonder geavanceerde machines of gereedschap, kwam het onderzoek naar handwerk in India goed van pas. Zoals gebruikelijk , werkt ze veel met karton en papier-maché, wat samen met andere voorwerpen verwerkt word tot vrije associaties bij de dagelijkse ervaringen in de stad.
Op Manhattan en in Brooklyn bezoekt ze plaatsen waar water en land elkaar ontmoeten. Ze zoekt het spanningsveld op, waar natuur en door de mens gemaakte constructies elkaar ontmoeten en langzaam vergaan door de elementen en de tijd. Zo baseert ze een aantal werken op de instortende houten pieren en de eroderende bruggen met enorme roestgaten.
Terug in Nederland in het eigen atelier borduurt ze vormen gebaseerd op schimmeldraden, die vergelijkbaar met het netwerk van paddenstoelen, uit de grond opkomen. De sculpturen die in deze periode ontstaan, dienen als basis voor een residency, eind 2017 bij MIET AIR in Beers, waar kunstenaars het totale proces van het traditionele cire-perdue bronsgieten onder de knie kunnen krijgen.
De met deze techniek ontstane bronzen vormen verwerkt Korstanje vervolgens in sculpturen die geleidelijk aan, op dezelfde manier als schimmels, organisch verder groeien. Ze vormen een onderdeel van een groter geheel, afhankelijk van de ouder ogende drager. Korstanje maakt hiermee een verrassende stap. Het traditionele materiaal brons, doorgaans gebruikt om een beeld van vergankelijk materiaal te bestendigen voor de eeuwigheid, is slechts onderdeel van de sculptuur, waar karton toch weer de drager is. Ze vormen samen een biotoop, vergankelijkheid en eeuwigheid, samengebonden in co-existentie.
Het Stedelijk Museum Kampen heeft met deze tentoonstelling een primeur in Nederland, waarin veel nieuwe werken zijn te zien, die zijn ontstaan uit Korstanjes nieuw verworven vaardigheden en werkwijzen.
Maartje Korstanje (Goes 1982) studeerde aan de Akademie voor Kunst en Vormgeving / St. Joost, Breda en het Sandberg Instituut in Amsterdam (MFA). Ze was één van de winnaars van de Prix de Rome in 2007, deed residency programma’s bij Kunsthuis SYB (2007), IBB Curacao, (2008), het Europees Keramisch Werk Centrum (2013), Calcutta Art & Research Foundation, India (2015) en International Studio & Curatorial Program New York (2016). In 2014 werd ze genomineerd voor de Volkskrant Beeldende Kunstprijs. Haar werk is gepresenteerd in groepstentoonstellingen in onder andere GEM, Den Haag, Museum de Pont, Tilburg, Hudson Valley Center for Contemporary Art, New York, ISCP, New York en Marc Straus Gallery, New York. Ze had solotentoonstellingen bij onder andere Upstream Gallery, de Vleeshal, Zeeuws Museum, Museum Jan Cunen en het Groninger Museum. / Alle werken in de tentoonstelling zijn ontstaan met genereuze steun van het Mondriaan Fonds.
Routebeschrijving Stedelijk Museum Kampen: Het Stedelijk Museum Kampen is zowel met het openbaar vervoer als met de auto goed bereikbaar. / Adres: Oudestraat 133, 8261 CK Kampen
# meer informatie op website stedelijk museum kampen
# meer informatie op website maartje korstanje
Maartje Korstanje
Unexpected Guests
15 december 2018 t/m 3 februari 2019
Voormalige Synagoge Kampen
# expo maartje korstanje
Unexpected Guests / sculptures
# fleursdumal.nl magazine
More in: Art & Literature News, Dutch Landscapes, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, Maartje Korstanje, Natural history, Sculpture, Spurensicherung
PARK vierde in oktober 2018 het vijfjarig bestaan en maakte een boek waarin de activiteiten in de periode 2016-2018 zijn vastgelegd.
Het rijk geïllustreerde full-colour boek, met teksten van Esther Porcelijn en Rob Moonen, is opnieuw vormgegeven door Berry van Gerwen.
Het telt ruim 240 pagina’s en heeft een oplage van 600 stuks.
Alle tentoonstellingsprojecten, de bijna 200 exposerende kunstenaars en de extra activiteiten in de periode 2016-2018 komen aan bod. Het is de opvolger van het eerder verschenen ‘PARK 2013-2015‘.
Het boek kost € 20,- inclusief BTW, exclusief eventuele verzendkosten. Het verschijnt verschijnt op zondag 16 december 2018 tijdens een boekpresentatie om 16:00 uur bij PARK.
U kunt uw exemplaar ook bestellen via shop@park013.nl
PARK 2016-2018
Teksten van Esther Porcelijn en Rob Moonen
Vormgeving door Berry van Gerwen
PARK
Platform for visual arts
240 pagina’s
Oplage 600 stuks
€ 20,-
PARK is een kunstinitiatief opgericht in 2013 door Rob Moonen in samenwerking met een zestal andere Tilburgse kunstenaars. Op dit moment bestaat de PARK werkgroep uit Linda Arts, René Korten, Rob Moonen en Liza Voetman.
PARK richt zich op actuele ontwikkelingen binnen de hedendaagse kunst én op kunstenaars met gedegen ervaring en bewezen kwaliteit. Er wordt plek geboden aan regionale collega’s maar ook aan landelijk of internationaal opererende kunstenaars, juist om een positieve bijdrage aan de discussie over actuele kunst tot stand te brengen. De werkgroep ambieert het podium van belang te laten zijn op landelijk niveau, maar bij elk project wordt met nadruk gezocht naar een inhoudelijke koppeling met de stad. De werkgroep is er van overtuigd dat samenwerking met andere partijen de zichtbaarheid en functionaliteit van de plek zal versterken, maar ook dat de plek een waardevolle stimulans voor de beeldende kunst in de stad en de regio zal kunnen zijn.
PARK wil steeds nieuwe verbindingen leggen, bijvoorbeeld door (internationaal opererende) curatoren uit te nodigen om kennis te nemen van de keur aan regionale beeldende kunstenaars en daarvan mogelijk enkele op te nemen in een tentoonstellingsproject. PARK wil een bijdrage leveren aan de ontwikkeling van een gunstig productie- en vestigingsklimaat voor beeldend kunstenaars uit de regio door deze in contact te brengen met een nationaal en internationaal netwerk.
Per jaar worden er vijf projecten gerealiseerd met waar mogelijk een bijpassend raamprogramma in de vorm van lezingen, kunstenaarsgesprekken, muziek en film.
PARK
Wilhelminapark 53, 5041 ED Tilburg
info@park013.nl
Twitter.com/ParkTilburg
Facebook.com/Park013
Instagram.com/platform_for_visual_arts
Tijdens tentoonstellingen geopend:
vrijdag 13.00 – 17.00 uur
zaterdag 13.00 – 17.00 uur
zondag 13.00 – 17.00 uur
Toegang is gratis
PARK ligt op 10 minuten loopafstand van het Centraal Station Tilburg in de nabijheid van Museum De Pont. Er is beperkt gratis parkeergelegenheid voor de deur.
# new books
visual arts
fleursdumal.nl magazine
More in: #Editors Choice Archiv, - Book News, Architecture, Art & Literature News, Art Criticism, FDM Art Gallery, Linda Arts, Park, Performing arts, Porcelijn, Esther, Porcelijn, Esther, Sculpture, The talk of the town
Pour la première fois en France depuis 1953, le Centre Pompidou consacre une exposition au cubisme au travers d’un vaste panorama de l’histoire du mouvement à Paris entre 1907 et 1917.
L’originalité du projet consiste à élargir la vision traditionnellement concentrée sur les grands noms du mouvement, Georges Braque, Juan Gris, Fernand Léger et Pablo Picasso, aux cubistes secondaires, comme Gleizes et Metzinger, ou différents tels Robert et Sonia Delaunay, Marcel Duchamp ou Francis Picabia, qui exposaient dans les salons officiels parisiens lorsque les pionniers réservaient leurs créations expérimentales à un seul jeune marchand inconnu, Daniel-Henry Kahnweiler.
Riche de trois cents œuvres et de documents significatifs de son rayonnement, la présentation s’articule chronologiquement en quatorze chapitres où se détachent des chefs-d’œuvre comme le Portrait de Gertrude Stein (1905-1906) ou ceux d’Ambroise Vollard (1909) et de Daniel-Henry Kahnweiler (1910) par Picasso et des ensembles de peintures et de sculptures, jamais réunies. Elles mettent en valeur l’évolution à rebondissements du cubisme, remontant aux sources primitivistes (avec des sculptures tribales collectionnées par les artistes), et à la fascination des cubistes pour Gauguin et Cézanne. Elles reflètent la progression formelle du mouvement, d’une première étape cézannienne (avec la présence de l’exceptionnelle nature morte de Picasso, Pains et compotier sur une table, 1909) vers une transcription analytique hermétique (1910-1912) transformée en version plus synthétique (1913-1917), qui marque le retour de la représentation et de la couleur.
La part la plus révolutionnaire du cubisme – l’invention des papiers collés, des collages et des constructions de Braque, Picasso, Gris et Henri Laurens – est représentée par des grandes icônes de l’art du 20e siècle, comme la Nature morte à la chaise cannée de Picasso (1912) ou sa Guitare en tôle et fils de fer (1914). D’autres aspects illustrent l’importance et le prestige de la constellation cubiste : les liens avec la littérature sont retracés dans une salle dédiée aux critiques et aux poètes, incarnés par les portraits les plus marquants de Max Jacob ou d’Apollinaire, par le Douanier Rousseau et Marie Laurencin, les éditions Kahnweiler de livres cubistes, la collaboration entre les Delaunay et Blaise Cendrars autour de La Prose du Transsibérien en 1913, etc. La tragédie de la Grande Guerre (1914-1918) qui mobilise ou exile les artistes et leurs soutiens est retracée par des œuvres des artistes du front (Raymond Duchamp-Villon, Fernand Léger) ou de l’arrière parce qu’étrangers (Pablo Picasso, Cartes à jouer, verres, bouteille de rhum, « Vive la France », 1914-1915) qui témoignent de l’inévitable stérilisation du mouvement frappé par l’histoire (Marc Chagall, Les Portes du cimetière, 1917). La fin du parcours témoigne à la fois de la renaissance des rescapés comme Braque (La Musicienne, 1917-1918) et de l’influence exercée par le cubisme sur ses contemporains, comme Henri Matisse (Porte-fenêtre à Collioure, 1914) et ses héritiers abstraits (Piet Mondrian, Composition n°IV, 1914), Kasimir Malévitch, Croix noire, 1915 ou contestataires (Marcel Duchamp, Roue de bicyclette, 1913/1964), tous tributaires de la révolution cubiste.
Avec le soutien exceptionnel du Musée national Picasso-Paris
L’exposition est coproduite avec le Kunstmuseum de Bâle
Expositions
Le cubisme
17 oct. 2018 – 25 févr. 2019 de 11h à 21h
Galerie 1 – Centre Pompidou, Paris
Centre Pompidou
Place Georges Pompidou, 75004 Paris
# Le Cubisme
Exposition Centre Pompidou
fleursdumal.nl magazine
More in: Art & Literature News, Art Criticism, Exhibition Archive, Gertrude Stein, Kubisme, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Piet Mondriaan, Sculpture
From May 5 until September 16, 2018, Bruges will be the setting for the second edition of the Triennial, an art route in the heart of the historic city.
With the central theme ‘Liquid City’, the Triennial wants to investigate the role of a city like Bruges in a globalized and changing world. With the artistic and architectural installations, the participants of Triennale Brugge 2018 | Liquid City create welcoming public spaces in the city center. Those temporary interventions on little known and iconic places in Bruges offer great opportunities for encounter, wonder and dialogue.
Triennial Bruges 2018 will feature works by Jarosław Kozakiewicz (PL), Wesley Meuris (BE), Renato Nicolodi (BE), NLÉ – Kunlé Adeyemi (NG-NL), OBBA (KR), Roxy Paine (US), John Powers (USA), raumlabor (DE), Rotor (BE), Ruimteveldwerk (BE), Tomás Saraceno (AR), Jose Selgas & Lucia Cano (ES), Monir Shahroudy Farmanfarmaian (IR), StudioKCA (US), Peter Van Driessche – Atelier4 (BE).
The Bruges Triennial 2018, themed Liquid City reaches back to 2015 edition, which was a reflection on the city as a megapolis: “What if the 5 million visitors to the city decided to stay?”
This edition takes a step further: how flexible, liquid and resilient can a historic city like Bruges be in an age when nothing seems to be certain any longer? None other than Zygmunt Bauman, prophet of the permanent crisis in the West, devoted his final book to this phenomenon, a year before his death in January 2017.
In Retrotopia, Bauman invites the reader to question the dynamics of our society, as well as the metaphor “liquid” itself, the contemporary era as a time of transition, which today stands in stark contrast with the institutional framework that once formed a safe environment for our (grand)parents. Each institution in turn, whether the government, the church, political parties, insurance companies or banks, have lost the public’s trust. This renders society particularly vulnerable to fear-mongers.
This world is changing rapidly. Established ways of thinking and forms of life are under pressure. What does the future hold?
The Bruges Triennial 2018 co-curators Tilll-Holger Borchert and Michel Dewilde invited international artists and architects to think about these issues. Many of them sought inspiration in the city that is literally crisscrossed and surrounded by water.
The waterways that once earned Bruges its international renown, become a metaphor for Liquid City. Works of art, installations and meeting places have been put up in the city centre.
They form a free hospitable route that brings people together in unexpected spots. That is one of the main objectives of the Bruges Triennial 2018: generating encounters, challenging people not only to view the artworks but also to experience them and to become part of the creative process.
Participating internationally renowned architects include Kunlé Adeyemi, (Nigeria/Netherlands, NLÉ Architects), who designed the third version of MFS – Minne Floating School for Bruges, selgascano (Spain) who created the new swimming pavilion for Brugians and visitors alike on the city canal, and OBBA (Korea) who worked together with Bruges-based Architectuuratelier Dertien12 to construct The Floating Island, a meandering walkway on the water. Climate change and environmental issues are addressed through the installation of the Bruges Whale by StudioKCA (US), INFINITI designed by Peter Van Driessche of Aterlier4 (Belgium) suggests tiny housing situated on the water whereas the Aerocene project by Tomás Saraceno (Argentina) invites us to look to the sky. A very different approach is offered by Brussels-based collective Rotor who presents a museum dedicated to the Chinese Mitten Crab in the Poortersloge and an exotic eatery at the beach in Zeebrugge. raumlabor (Germany) has been working with local youths on their House of Time, a continuous project of building, experimenting and hands-on experience and the Belgian collective Ruimteveldwerk have persuaded the inhabitants of one of the historic almshouse complexes to help create their G.O.D. project. Further installations along the arts trail are created by artists such as Wesley Meuris (Belgium), Renato Nicolodi (Belgium), John Powers (US), Jarosław Kozakiewicz (Poland) and Monir Shahroudy Farmanfarmaian (Iran).
Additional art works, designs, models and documentary materials of all the participants are presented in the free Liquid City exhibition in the Poortersloge, the central information point of the Bruges Triennial 2018.
A further exhibition is located in the Church of the Great Seminary. Architectures Liquides, curated by Abdelkader Damani, is a selection of impressive visionary architectural models from the FRAC-Centre collection in Orléans (France).
The bilingual catalogue (Dutch/English) with contributions by Till-Holger Borchert, Michel Dewilde, Abdelkader Damani, Tom Trevor, Anna Lowenhaupt Tsing, Marc Van den Bossche ea. and photography by Iwan Baan is available at the Triennial information points, arts bookshops and online.
Triënnale Brugge 2018
Liquid City / Vloeibare Stad
Till-Holger Borchert, Michel Dewilde
Photogr.: Misc.
Format: 27 x 20
Pages 160
Hardcover
Dutch, English
ISBN 9789058565990
€ 29,95
# more information on website Bruges Triennial 2018
Bruges Triennial 2018: Liquid City – Contemporary art and architecture trail in the historic heart of Bruges – is open daily until September 16. Opening hours for the exhibitions and some installations: 12–6pm – Free of charge
Triënnale Brugge 2018
fleursdumal.nl magazine
More in: - Book News, Architecture, Art & Literature News, Art Criticism, Design, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, Historia Belgica, Land Art, Sculpture, Street Art, Urban Art
Sie gilt als Künstlerin des sozialen Elends und der schmerzlichen Tragik des Krieges – Käthe Kollwitz.
Fröhlich, unkonventionell, sinnlich, neugierig – all das ist sie Zeit ihres Lebens. Immer wieder bricht Kollwitz mit gängigen Konventionen. So reist die Mutter von zwei Kindern etwa 1904 alleine nach Paris – eigentlich undenkbar zu dieser Zeit -, um die Kunst des plastischen Gestaltens zu lernen. Dort trifft sie u.a. auf Rodin.
Als zu Beginn des Ersten Weltkrieges ihr Sohn ums Leben kommt, beherrscht dieses Trauma über viele Jahre ihr Leben wie auch ihre Kunst.1919 wird sie als erste Frau Professorin an der Preußischen Akademie der Künste, bis nach Hitlers Machtergreifung ein dunkler Schatten über das Land zieht und sich auch auf ihr Leben legt.
Eine tiefgründige Romanbiografie, die das außergewöhnliche Leben dieser beeindruckenden Künstlerin facettenreich einfängt.
Roswitha Mair, Dr. phil., ist Kunsthistorikerin und lebt in Innsbruck. Zahlreiche Veröffentlichungen und Beiträge zur Kunst des 20. Jahrhunderts sowie Organisation und Konzeption von Kunstausstellungen.
Roswitha Mair :
Käthe Kollwitz.
Ein Leben gegen jede Konvention.
Romanbiografie
‘Herder Spektrum Taschenbücher’
Herder Verlag GmbH
Juni 2017
231 Seiten
Kartoniert – Broschiert
Sprache: Deutsch
€16,00
EAN: 9783451069734
ISBN: 3451069733
new books
fleursdumal.nl magazine
More in: - Book News, Archive K-L, Archive M-N, Art & Literature News, Galerie Deutschland, Käthe Kollwitz, Sculpture, WAR & PEACE
# Rasheed Araeen, Paki Bastard (Portrait of an Artist as a Black Person), 1977, courtesy the artist
The Van Abbemuseum will stage Rasheed Araeen: A Retrospective, the first comprehensive survey of the artist. The exhibition, spanning 60 years of work, presents a body of work that has had a profound influence on generations of artists, writers and thinkers.
Rasheed Araeen: A Retrospective is structured across five chapters: from his early experiments in painting in Karachi in the 1950s and early 60s, his pioneering minimalist sculptures carried out after his arrival in London in 1964, key pieces from the 70s and 80s following Araeen’s political awakening, his nine panel cruciform works from the 80s and 90s and a selection of his new geometric paintings and wall structures. Alongside this, material relating to Araeen’s writing, editorial and curatorial projects will be presented as part of an expanded artistic practice that in its scope and ambition continues to challenge the formal, ideological and political assumptions of Eurocentric modernism.
Publication:A monograph, edited by Nick Aikens and published by JRP Ringier in collaboration with Van Abbemuseum, MAMCO, BALTIC and Garage includes new essays by Aikens, Kate Fowle, Courtney Martin, Michael Newman, Gene Ray, Dominic Rhatz, John Roberts, Marcus du Sautoy, Zoe Sutherland and Kaelen Wilson-Goldie and an extensive conversation between Aikens and Araeen.
# Rasheed Araeen, The Reading Room, 2017, steel and glass tables, wooden stools, and copies of Third Text journal, courtesy the artist
Following the Van Abbemuseum Rasheed Araeen: A Retrospective will travel to MAMCO, Geneva, BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead and Garage Centre for Contemporary Art, Moscow.
The exhibition is supported by Mondriaan Fund and Stichting Promotors van het Van Abbemuseum. The publication is generously supported by Aicon Gallery, New York, Grosvenor Gallery, London and Rossi Rossi, Hong Kong
exhibition
Rasheed Araeen
A Retrospective
02/12/2017 – 25/03/2018
spanning 60 years’ work
Curators: Nick Aikens
van abbemuseum eindhoven
# van abbemuseum eindhoven web
fleursdumal.nl magazine
More in: - Book News, Archive A-B, Art & Literature News, AUDIO, CINEMA, RADIO & TV, DICTIONARY OF IDEAS, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, MONTAIGNE, Photography, Sculpture
Het eeuwenoude gebied De Heilige Driehoek in het Noord-Brabantse Oosterhout vormt tijdens de 1e Biënnale Kunst in de Heilige Driehoek het decor voor hedendaagse kunst, met – in deze eerste editie – liefde als thema.
Op uitnodiging van curator Guus van den Hout tonen vijfentwintig hedendaagse kunstenaars, onder wie Reinoud van Vught, Sam Drukker, Carolein Smit en Aziz Bekkaoui, veelal nieuwe werken, geïnspireerd door de unieke locatie en de rijke historische, religieuze en spirituele tradities. De in totaal circa 150 kunstwerken variëren van schilderijen, fotografie, video, muziek en prenten tot mode, sculpturen en zelfs een geurinstallatie.
De 1e Biënnale Kunst in de Heilige Driehoek is de enige grootschalige hedendaagse kunstbiënnale in Europa die kunst en religie nadrukkelijk als uitgangspunt neemt.
Uniek kloostergebied als inspiratie én decor van hedendaagse kunst Het gebied De Heilige Driehoek – ruim 100 hectare groot – dankt zijn naam aan drie monumentale, eeuwenoude kloosters die zijn omgeven door grote kloostertuinen en landerijen: de Onze Lieve Vrouwe Abdij, De Sint-Paulusabdij en het Sint-Catharinadal. De Heilige Driehoek is de enige plek in Nederland waar nog een combinatie van drie actieve kloosters bestaat.
De Biënnale vindt plaats in de kloostergebouwen, de kloostertuinen en de kloosterkapellen, die voor het eerst worden geopend voor het grote publiek en voor hedendaagse kunst. De kunstenaars laten zich inspireren door het gebied zelf, de rijke historie en de artistiek-religieuze tradities. Veel werken zijn in opdracht van de Biënnale gemaakt en worden dan ook voor het eerst getoond. De Biënnale heeft de ambitie om de kunstzinnige tradities van de kloosters, die excelleerden in architectuur, schilderkunst, het restaureren van wandtapijten, handschriften en boeken, en kunstnijverheid, te verbinden met artistieke vernieuwing.
Deelnemende kunstenaars zijn: Aziz Bekkaoui, Caspar Berger, Krien Clevis, Sam Drukker, Huub en Adelheid Kortekaas, Judith Krebbekx, Elisa Pesapane, Ruudt Peters, René van Tol, Tijmen van Tol, Heidi Wallheimer, Erik Zwaga, Marieke Bolhuis, Patrizia Comand, Frans Franciscus, Robin Kolleman, Bernardien Sternheim, Hansa Versteeg, Moreno Bondi, dré didderiëns, Athar Jaber, Jago Moons, Spank Moons, Michael Petry, Carolein Smit en Reinoud van Vught.
# Meer informatie op website www.kunstindeheiligedriehoek.nl
1e Biënnale Kunst in de Heilige Driehoek – Liefde nog tot en met 22 oktober 2017 in Oosterhout
fleursdumal.nl magazine
More in: - Archive Tombeau de la jeunesse, Art & Literature News, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, Performing arts, Photography, Sculpture
Who was the model for Edouard Degas’s world renowned sculpture of a ballet dancer? Camille Laurens embarks on a meticulous and sensitive enquiry.
Degas’s “Little Ballerina” has always been a presence for Camille Laurens. Here the novelist tells the story of the sculpture which has been exhibited in Paris, London, New York, Washington, Chicago, Copenhage, Dresden… but few know the identity of the model.
She looks into the childhood of Marie Van Goethem, born to Belgian parents, with an older sister who ended up as a courtesan, a younger sister who became a ballet teacher and a mother who died on the very premises of the Paris Opera. Dancing and prostitution. Revolution and the art world. Quite unintentionally, Marie would become one of the most discussed models, and was described as a “monkey” at the 1881 Salon des Indépendants exhibition.
How did Degas dare to make something beautiful of such an ugly child? And what mysterious connection was there between Degas and his subject, given that he kept the wax sculpture in his studio his whole life and never exhibited it? This enquiry ultimately leads Camille Laurens to a more personal quest.
Novelist, essayist and academic Camille Laurens has published some twenty books. In 2000, Dans ces bras-là won the Prix Fémina and the Prix Renaudot des Lycéens, and was translated into thirty languages. Her latest novel Who You Think I Am (Gallimard, 2016 / Other Press 2017) sold 50,000 copies in France.
La petite danseuse de quatorze ans
Camille Laurens
(Degas’s little ballerina by Camille Laurens)
Collection: La Bleue
Éditions Stock Paris
Parution: 01/09/2017
176 pages
Format:140 x 216 mm
EAN: 9782234069282
Prix: €17.50
fleursdumal.nl magazine
More in: - Book News, - Book Stories, Archive K-L, Art & Literature News, DANCE & PERFORMANCE, FDM in Paris, Histoire de France, Sculpture
De Japanse kunstenaar Chiharu Shiota (Osaka, 1972) was in 2015 de sensatie van de 56ste Biënnale van Venetië.
Het Japanse paviljoen met haar installatie The Key in the Hand stond dat jaar in de top-5 tentoonstellingen van The Guardian en op de cover van The New York Times.
Chiharu Shiota’s eerste solotentoonstelling in Nederland biedt een retrospectief overzicht van haar oeuvre. De speciaal op maat van Het Noordbrabants Museum gemaakte installatie Uncertain Journey is het klapstuk van de tentoonstelling.
In totaal worden er 24 werken geëxposeerd, daterend van 1994 tot 2017, waaronder video’s, foto’s, tekeningen, grote en kleine draadsculpturen en een bronzen beeld. Met de foto The Key in the Hand en de video How Did you Come into this World? toont Het Noordbrabants Museum twee werken uit de gevierde Venetiëshow.
Met tien assistenten werkt Chiharu Shiota twaalf dagen aan de gigantische web-installatie. Eerst wordt de tentoonstellingsruimte van ongeveer 130 m² overspannen met een op maat gemaakt net. Daarna worden met ongeveer 10.000 nietjes de draden van zo’n 2.000 bollen wol vastgezet. De installaties van Chiharu Shiota maken wereldwijd een diepe indruk op bezoekers doordat ze universele begrippen zoals identiteit en herinnering op een verbluffend mooie manier vormgeeft.
Bij de tentoonstelling wordt een catalogus uitgegeven door WBOOKS. Het boek met een essay door Hans November, conservator 20ste en 21ste-eeuwse kunst in Het Noordbrabants Museum, verschijnt in drie talen (Nederlands, Duits, Engels). De publicatie is voor € 19,95 verkrijgbaar in o.a. de MuseumShop.
De tentoonstelling Chiharu Shiota: Between the Lines wordt mogelijk gemaakt door de Renschdael Art Foundation. De samenwerking tussen de Renschdael Art Foundation en Het Noordbrabants Museum resulteerde eerder in tentoonstellingen met werk van Lita Cabellut, Francis Bacon en Claire Morgan.
Chiharu Shiota
Between the Lines
24 juni t/m 15 oktober 2017
Het Noordbrabants Museum
Verwersstraat 41
‘s-Hertogenbosch
# meer info op website Noordbrabants Museum
fleursdumal.nl magazin
More in: - Book News, Art & Literature News, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, Sculpture
Groepsexpositie Disruption – Remapping Nature
24 juni – 24 september 2017 – Lustwarande Tilburg
De plotselinge, hernieuwde belangstelling de laatste paar jaar voor expliciet op de natuur gerichte ‘stromingen’ als Land Art, Eco Art en Bio Art, als ook voor de relatie tussen kunst en natuur in het algemeen, is opmerkelijk te noemen maar komt beslist niet uit de lucht vallen. Deze hernieuwde belangstelling kan oppervlakkig gezien verklaard worden in het licht van de terugkeer naar het kleinschalige en het lokale, de herontdekking van wat ‘oer’ is en het streven naar duurzaamheid. Het gaat om een pas op de plaats, een herbezinning op onze ethische waarden vanuit het besef dat de aarde niet onuitputtelijk is.
Vanuit het filosofisch-sociologischgedachtegoed van Bruno Latour kan er een specifiekere verklaring geformuleerd worden. Latour breekt met de denkkaders van de Verlichting en de Moderniteit, waarin de mens centraal staat en de wereld door de mens beschouwd, bestudeerd, geanalyseerd, kortom verklaard wordt. Volgens Latour is er geen objectieve wereld maar slechts een geconstrueerde werkelijkheid, waarin mens en aarde niet twee gescheiden entiteiten zijn maar eenheden die in complexe relaties en systemen met elkaar verbonden zijn. Het menselijk handelen heeft invloed op de gesteldheid van de aarde en, omgekeerd, laat de veranderende aarde zijn sporen na op het wezen van de mens. Sinds het nieuwe millennium is er dan ook een nieuw tijdperk voorgesteld, waarin gedachtegoed als dat van Latour expliciet erkend wordt, het zogeheten Antropoceen. Het Antropocene denken wint steeds meer aan terrein, zodanig dat er inmiddels gesproken kan worden van een “Generation Antropocene” (Robert Macfarlane, The Guardian, 1 april 2016).
Met de erkenning van dergelijke nieuwe inzichten werken steeds meer onderzoekers, waaronder kunstenaars, vanuit diverse invalshoeken aan een herdefiniëring van het begrip natuur, waar mens en techniek gezamenlijk deel van uit maken. Dit heeft tot gevolg dat de tegenstelling cultuur versus natuur niet langer opgaat. Dit besef leidt de ontwikkeling van nieuwe vormen van kennis, waaruit geleidelijk een nieuw wereldbeeld voortvloeit. De samenwerking tussen natuur- en geesteswetenschappen, waaronder de kunsten, staat in het centrum van deze ontwikkeling.
Disruption – Remapping Nature focust op een groep Europese kunstenaars, die het begrip natuur ieder op geheel eigen wijze in hun oeuvre centraal stellen. Vanuit de Antropocene denkkaders bezien laten deze in eerste instantie zo verschillende artistieke praktijken afzonderlijk hun licht schijnen op de wijze waarop de hedendaagse mens de natuur waarneemt, definieert en er zich toe verhoudt.
De uitdaging in deze expositie is niet alleen gelegen in het samenbrengen van nieuwe werken van een specifieke groep kunstenaars over een uiterst actueel thema maar vooral ook in het presenteren van deze reflecties op kunst en natuur in de “natuurlijke” context van De Oude Warande. Waar houdt het begrip natuur op en begint de notie cultuur? In het Antropocene perspectief zijn er geen begrenzingen. Een en ander zijn één entiteit.
Lionel Estève (FR)
Sven Fritz (NL)
Paul Geelen (NL)
Jasper Griepink (NL)
Henrik Håkansson (SU)
Antti Laitinen (FI)
Zeger Reyers (NL)
Martin Schwenk (DE)
Egied Simons (NL)
Maarten Vanden Eynde (BE)
Groepsexpositie
DISRUPTION – Remapping Nature
Lustwarande Tilburg
24 juni – 24 september 2017
Lustwarande – Platform for Contemporary Sculpture
park De Oude Warande Tilburg
Hoofdingang: Bredaseweg 441 (parkeerplaats Auberge du Bonheur)
www.lustwarande.org
fleursdumal.nl magazine
More in: Art & Literature News, Dutch Landscapes, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, Fundament - Lustwarande, Sculpture
Thank you for reading Fleurs du Mal - magazine for art & literature