In this category:

Or see the index

All categories

  1. AUDIO, CINEMA, RADIO & TV
  2. DANCE
  3. DICTIONARY OF IDEAS
  4. EXHIBITION – art, art history, photos, paintings, drawings, sculpture, ready-mades, video, performing arts, collages, gallery, etc.
  5. FICTION & NON-FICTION – books, booklovers, lit. history, biography, essays, translations, short stories, columns, literature: celtic, beat, travesty, war, dada & de stijl, drugs, dead poets
  6. FLEURSDUMAL POETRY LIBRARY – classic, modern, experimental & visual & sound poetry, poetry in translation, city poets, poetry archive, pre-raphaelites, editor's choice, etc.
  7. LITERARY NEWS & EVENTS – art & literature news, in memoriam, festivals, city-poets, writers in Residence
  8. MONTAIGNE
  9. MUSEUM OF LOST CONCEPTS – invisible poetry, conceptual writing, spurensicherung
  10. MUSEUM OF NATURAL HISTORY – department of ravens & crows, birds of prey, riding a zebra
  11. MUSEUM OF PUBLIC PROTEST
  12. MUSIC
  13. PRESS & PUBLISHING
  14. REPRESSION OF WRITERS, JOURNALISTS & ARTISTS
  15. STORY ARCHIVE – olv van de veestraat, reading room, tales for fellow citizens
  16. STREET POETRY
  17. THEATRE
  18. TOMBEAU DE LA JEUNESSE – early death: writers, poets & artists who died young
  19. ULTIMATE LIBRARY – danse macabre, ex libris, grimm & co, fairy tales, art of reading, tales of mystery & imagination, sherlock holmes theatre, erotic poetry, ideal women
  20. WAR & PEACE
  21. ·




  1. Subscribe to new material:
    RSS     ATOM

Exhibition Archive

· David Lynch: Someone is in my House. Retrospectief in Bonnefantenmuseum · Tentoonstelling Maartje Korstanje: Unexpected Guests · Jean Cocteau – Metamorphosis in Den Bosch NL · L.A. Raeven deelnemer expositie ROBOT LOVE · Centre Pompidou: Le Cubisme · Frida Kahlo: Making Her Self Up in Victoria & Albert Museum London · Bruges Triennial 2018: Liquid City · René Daniëls: Fragments from an Unfinished Novel · Hans Ebeling Koning: Appelboom · “Ad Fundum”, een hommage aan meester-graficus en tekenaar Ad Willemen in Luycks Gallery · Forum of Live Art Amsterdam 2018 in Arti et Amicitiae · Hybrids 2018 – Lustwarande Tilburg

»» there is more...

David Lynch: Someone is in my House. Retrospectief in Bonnefantenmuseum

Vanaf 30 november 2018 tot 28 april 2019 presenteert het Bonnefantenmuseum het omvangrijke retrospectief Someone is in my House van de Amerikaanse kunstenaar David Lynch.

Hoewel David Lynch onmiskenbaar een spilfiguur is in de internationale film- en tv-wereld, is zijn werk als beeldend kunstenaar veel minder bekend. Dat is op zijn minst vreemd, aangezien Lynch zelf altijd heeft bena­drukt dat hij zichzelf vóór alles ziet als beeldend kunste­naar.

Een beeldend kunstenaar die tijdens zijn studie aan de kunstacademie toevallig in aanraking kwam met het medium film, waarmee de basis gelegd werd voor zijn carrière als filmregisseur.

Naast zijn werk als regisseur is Lynch altijd actief gebleven als beeldend kunstenaar en heeft hij in de afgelopen decennia een grenzeloos oeuvre gecreëerd van onder andere schilderijen, tekeningen, litho’s, foto’s, lampsculpturen, muziek en installaties.

Een oeuvre dat tot nu toe nog maar zelden is belicht en in musea werd getoond. Met ruim 500 werken brengt het Bonnefantenmuseum niet alleen de eerste Nederlandse museumpresentatie van Lynch’ beeldend oeuvre, maar ook de grootste overzichtstentoonstelling ooit.

David Lynch: Someone is in my House
30.11.2018 – 28.04.2019

David Lynch, beeldend kunstenaar

Anders dan het werk van Lynch (1946, Missoula, Montana, VS), vol duister geweld en seksua­liteit, doet vermoeden, is de kindertijd van de kunstenaar en filmmaker ge­lukkig en liefdevol.
Lynch groeit op met reislustige ouders en leidt op jonge leeftijd een nomadenbestaan, een voor hem idyllische en veilige omgeving. Van jongs af aan aangemoedigd om zich creatief te ontplooien – kleurboeken waren uit den boze, eigen verbeelding gebruiken was het credo – komt hij uiteindelijk op de Pennsylvania Academy of the Fine Arts in Philadelphia terecht om schilderkunst te studeren.

Hier ontwikkelt Lynch zijn artistieke vocabulaire en thema’s die blijvend aanwezig zullen zijn in zijn werk. En hier ligt de voedingsbodem voor zijn eerste mixed-media installatie met stop-motion film Six Men Getting Sick (Six Times) (1967), die een opmaat vormde naar zijn eerste speelfilm, Eraserhead (1977). De rest is (film)geschiedenis en inmiddels zijn Lynch’ films moderne klassiekers.

Lynch’ kunstenaarschap loopt als een rode draad door zijn leven en films. Hij is gedurende zijn vijftigjarige carrière altijd blijven tekenen en schilde­ren, ook als er vanwege zijn werk als filmregisseur weinig tijd was om in het atelier door te brengen.

“I miss painting when I’m not painting”, zegt Lynch zelf in de recente biografie Room to Dream. * David Lynch en Kristine McKenna. Room to Dream. Edinburgh, Canongate Books, 2018, p. 301

 

In samenwerking met David Lynch toont het Bonnefanten een indrukwekkend artistiek overzicht van het veelzijdige kunstenaarschap van Lynch.

De tentoonstelling omvat schilderijen, foto’s, tekeningen, litho’s en aquarellen uit de jaren 60 tot heden, unieke tekeningen op luciferboekjes uit de jaren 70, schetsboektekeningen uit de jaren 60/70/80, zwart-wit foto’s uit verschillende periodes, waaronder de befaamde Snow Men-fotoserie (1993), cartoons uit de serie The Angriest Dog in the World (1982-1993), audiowerken én een aantal kortfilms uit 1968-2015.

Voor het eerst sinds het ontstaan in 1967, zal ook het allesbepalende academiewerk Six Men Getting Sick (Six Times) in een museumtentoonstelling te zien zijn.

Publicatie

Bij de tentoonstelling verschijnt een rijk geïllustreerde monografie met tekstbijdragen van curator Stijn Huijts (artistiek directeur Bonnefantenmuseum), Kristine McKenna (journalist en curator, Verenigde Staten), Petra Giloy-Hirtz (schrijver en curator, Duitsland) en Michael Chabon (schrijver, Verenigde Staten). De publicatie is verkrijgbaar in het Nederlands, Engels en Frans en wordt uitgegeven door Uitgeverij Hannibal in samenwerking met Prestel.

Tentoonstellingsteaser

In aanloop naar zijn omvangrijke retrospectief Someone is in my House, maakte Lynch speciaal voor het Bonnefanten een unieke tentoonstellingsteaser. In deze typisch Lynchiaanse kortfilm, met in de hoofdrol naast Lynch zelf de ‘White Monkey’ – een personage dat eerder opdook in Lynch’ Weird daily weather report – nodigt hij de kijker uit om naar het Bonnefanten te komen.

Flankerend programma

Parallel aan de tentoonstelling is er in samenwerking met Lumière Cinema in Maastricht een compleet filmretrospectief gewijd aan de films en het leven van David Lynch met filmvertoningen, documentaires en lezingen over de filmmaker.

Daarnaast brengt EYE filmmuseum drie digitaal gerestaureerde films opnieuw uit in de filmtheaters in heel het land. Voor meer informatie: https://www.eyefilm.nl/themas/gerestaureerde-david-lynch-klassiekers

De philharmonie zuidnederland werkte met de Poolse componist Marek Zebrowski aan een compositie en uitvoering van Music for David, een strijkkwartet dat Zebrowski in 2015 componeerde als een hommage aan Lynch, die op zijn beurt de korte animatie film Pożar (Fire) maakte bij Zebrowski’s compositie. Het muziekstuk zal een aantal keren live (op zaal) bij de film ten gehore worden gebracht.

# meer informatie op website Bonnefantenmuseum

# Expositie & publicatie
David Lynch: Someone is in my House
30.11.2018 – 28.04.2019

• photos: jef van kempen

• fleursdumal.nl magazine

More in: #Archive A-Z Sound Poetry, *Concrete + Visual Poetry K-O, - Book News, - Bookstores, Archive K-L, Art & Literature News, AUDIO, CINEMA, RADIO & TV, David Lynch, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, Jef van Kempen Photos & Drawings, Museum of Literary Treasures, Photography, Tales of Mystery & Imagination, THEATRE


Tentoonstelling Maartje Korstanje: Unexpected Guests

Maartje Korstanje staat als mens en als kunstenaar in nauw contact met de natuur. Voor Korstanje ligt de schoonheid niet enkel in de perfectie van de natuur, maar in de kringloop van het leven. Het samenspel tussen leven en verval, waar groei en aftakeling deel uitmaken van de onomkeerbare fases van het leven, waarin het één niet zonder het ander kan bestaan.

In het proces van aftakeling toont zich tevens de schoonheid van het ongeschonden leven. Het contrast tussen aftakeling en het nog niet aangedane fascineert Korstanje mateloos. Alsof je pas kunt zien hoe mooi iets wàs, wanneer het aangevreten door de tijd, al gedeeltelijk weg geknabbeld is.

Veel mensen herkennen de schoonheid van de herfst: het fel rood en geel van een blad en de prachtige kleuren en vormen binnen een diversiteit aan paddenstoelen en schimmels. De afbraak zie je in zijn volle glorie: een noodzakelijk proces om bouwstoffen te leveren voor nieuw leven. De paddenstoelen en schimmels verschijnen als onverwacht gasten in de natuur. Deze wonderlijk mooie organismen kunnen enkel leven op een oudere drager, die als voedingsbodem dient voor het nieuwe wat zich erin nestelt. Korstanje houdt net zo veel van die oude drager als van de ‘Unexpected Guests’.

Zoals de natuur haar producten recyclet, zo kiest Korstanje een simpel materiaal als karton dat zij recyclet tot bouwmateriaal voor haar beelden. Het is niet alleen goedkoop en overal aanwezig, maar heeft ook het voordeel van een natuurlijke uitstraling. Door vloeibare lijm aan het karton toe te voegen wordt het tot karton-maché ; een substantie, die haar in staat stelt op een directe manier, met haar handen, te bouwen en te vormen.

Deze manier van beeldhouwen vergt veel tijd. Delen worden verwijderd wanneer het teveel oogt, of er wordt, laag over laag, meer materiaal aan toegevoegd. Vergelijkbaar met het groeiproces in de natuur, groeit het beeld in volume.

In dit werkproces is een overeenkomst te vinden tussen het verloop van de natuurlijke processen, zoals groei en verval, constructie en deconstructie en het creëren van een beeld, dat een creatief groeiproces doormaakt. Korstanje blijft door de jaren heen trouw aan haar werkwijze en laat het werk langzaam evolueren. Hoewel ook door de ratio ingegeven ideeën haar inspireren, blijven intuïtie en verbeelding uiteindelijk de belangrijkste drijfveren.

Naast het plantaardige karton gebruikt ze materialen als purschuim en diverse kunststoffen, waarmee ze contrast aanbrengt in het werk. Onder de ‘gelooide’ kartonhuid verschijnt opeens een vlees-roze orgaanachtige vorm. Het is eng, maar toch mooi. Je kunt je ogen er niet vanaf houden.

Aanvankelijk maakt ze sculpturen die sterke associaties oproepen met dieren of dierlijke organismen. De prettig-aardse beelden laten je vrij associëren. Je lijkt het te herkennen, maar toch ook weer niet. Het is alsof je oog in oog staat met een organisme uit een pas ontdekte aardlaag, uit een ander tijdvak. Een prachtige vondst van een paleontoloog, die je in een wonderkamer mag aanschouwen..

Haar beelden hebben een grote uitdrukkingskracht, ze trekken aan en stoten af, het gruwelijke en het tedere gaan hand in hand. Door het vaak grote volume verhoudt de kijker zich ook lichamelijk met het beeld.

Tegenwoordig zoomt het werk thematisch in naar microscopisch niveau en wordt het tevens abstracter en minder letterlijk te herleiden naar een bepaalde dierlijke of plantaardige oorsprong. Deze ontwikkeling wordt ingegeven door de kennismaking in 2014 met een nieuwe techniek, het machinaal borduren.

Op uitnodiging van het TextielMuseum in Tilburg wordt Korstanje gevraagd een beeld te maken voor de collectie. De fijne techniek van het borduren nodigt uit om het thema groei en verval dit keer onderhuids te onderzoeken. Ze start op de borduur-afdeling een onderzoek op naar virussen, bacteriën en kankercellen en zet dit om in borduurwerk. Uiteindelijk wordt er gekozen om een patroon geënt op het influenzavirus te borduren op een oud roestig zeildoek wat geïncorporeerd werd in een holle sculptuur van karton.

De beelden hebben er nu een dimensie bijgekregen door het grovere materiaal te combineren met een fijner dradenweefsel. Hoewel Korstanje altijd al fijnere bewerkingstechnieken toepaste op haar beelden, worden de werken nu letterlijk nog dichter op de huid gemaakt. De vrouwelijke factor van de fijne draadtechniek wordt toegevoegd aan het construerende zwaardere werk.

In 2015 vervolgt Korstanje haar onderzoek naar traditioneel handwerk in India, waar ze o.a. de Kantha borduurtechniek bestudeert. De verworven vaardigheden past ze toe in een nieuwe werkwijze.

In 2016 woont en werkt Korstanje een heel jaar in New York. In een atelier zonder geavanceerde machines of gereedschap, kwam het onderzoek naar handwerk in India goed van pas. Zoals gebruikelijk , werkt ze veel met karton en papier-maché, wat samen met andere voorwerpen verwerkt word tot vrije associaties bij de dagelijkse ervaringen in de stad.

Op Manhattan en in Brooklyn bezoekt ze plaatsen waar water en land elkaar ontmoeten. Ze zoekt het spanningsveld op, waar natuur en door de mens gemaakte constructies elkaar ontmoeten en langzaam vergaan door de elementen en de tijd. Zo baseert ze een aantal werken op de instortende houten pieren en de eroderende bruggen met enorme roestgaten.

Terug in Nederland in het eigen atelier borduurt ze vormen gebaseerd op schimmeldraden, die vergelijkbaar met het netwerk van paddenstoelen, uit de grond opkomen. De sculpturen die in deze periode ontstaan, dienen als basis voor een residency, eind 2017 bij MIET AIR in Beers, waar kunstenaars het totale proces van het traditionele cire-perdue bronsgieten onder de knie kunnen krijgen.

De met deze techniek ontstane bronzen vormen verwerkt Korstanje vervolgens in sculpturen die geleidelijk aan, op dezelfde manier als schimmels, organisch verder groeien. Ze vormen een onderdeel van een groter geheel, afhankelijk van de ouder ogende drager. Korstanje maakt hiermee een verrassende stap. Het traditionele materiaal brons, doorgaans gebruikt om een beeld van vergankelijk materiaal te bestendigen voor de eeuwigheid, is slechts onderdeel van de sculptuur, waar karton toch weer de drager is. Ze vormen samen een biotoop, vergankelijkheid en eeuwigheid, samengebonden in co-existentie.

Het Stedelijk Museum Kampen heeft met deze tentoonstelling een primeur in Nederland, waarin veel nieuwe werken zijn te zien, die zijn ontstaan uit Korstanjes nieuw verworven vaardigheden en werkwijzen.

Maartje Korstanje (Goes 1982) studeerde aan de Akademie voor Kunst en Vormgeving / St. Joost, Breda en het Sandberg Instituut in Amsterdam (MFA). Ze was één van de winnaars van de Prix de Rome in 2007, deed residency programma’s bij Kunsthuis SYB (2007), IBB Curacao, (2008), het Europees Keramisch Werk Centrum (2013), Calcutta Art & Research Foundation, India (2015) en International Studio & Curatorial Program New York (2016). In 2014 werd ze genomineerd voor de Volkskrant Beeldende Kunstprijs. Haar werk is gepresenteerd in groepstentoonstellingen in onder andere GEM, Den Haag, Museum de Pont, Tilburg, Hudson Valley Center for Contemporary Art, New York, ISCP, New York en Marc Straus Gallery, New York. Ze had solotentoonstellingen bij onder andere Upstream Gallery, de Vleeshal, Zeeuws Museum, Museum Jan Cunen en het Groninger Museum.  / Alle werken in de tentoonstelling zijn ontstaan met genereuze steun van het Mondriaan Fonds.

Routebeschrijving Stedelijk Museum Kampen:  Het Stedelijk Museum Kampen is zowel met het openbaar vervoer als met de auto goed bereikbaar. / Adres: Oudestraat 133, 8261 CK Kampen

   # meer informatie op website stedelijk museum kampen   

   # meer informatie op website maartje korstanje   

Maartje Korstanje
Unexpected Guests

15 december 2018 t/m 3 februari 2019
Voormalige Synagoge Kampen

# expo maartje korstanje
Unexpected Guests / sculptures

# fleursdumal.nl magazine

More in: Art & Literature News, Dutch Landscapes, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, Maartje Korstanje, Natural history, Sculpture, Spurensicherung


Jean Cocteau – Metamorphosis in Den Bosch NL

Jean Cocteau (1889-1963) is een tot de verbeelding sprekend kunstenaar.

Hij uitte zich in bijna alle artistieke media: van poëzie en literatuur, beeldende kunst en vormgeving tot theater en zijn favoriete medium: film.

Maar meer nog dan om zijn werk was Cocteau bekend om zijn opmerkelijke leven. Hij omgaf zich met beroemdheden als Sergei Diaghilev, Edith Piaf, Pablo Picasso en Coco Chanel en raakte geregeld in opspraak vanwege zijn homoseksualiteit en drugsgebruik. Design Museum Den Bosch presenteert de eerste grote overzichtstentoonstelling van Jean Cocteau in Nederland.

Jean Cocteau – Metamorphosis werpt licht op Cocteau’s voortdurende zelftransformatie en zijn zoektocht naar een eigen identiteit. Zoals jonge mensen zich tegenwoordig digitaal een identiteit aanmeten, had Cocteau de gave om zich via diverse media steeds met andere ogen te bezien en te laten zien.

De tentoonstelling Jean Cocteau – Metamorphosis toont vele van deze gezichten, in tekeningen en schilderijen, wandtapijten en affiches, in foto en film. Een veelheid aan artistieke uitingsvormen die Cocteau alle als een zelfportret beschouwde

Al sinds de jaren negentig bevinden zich keramiek en sieraden van Cocteau in de collectie van het Design Museum Den Bosch.

Het werk van Jean Cocteau wijst vooruit naar de multidisciplinaire praktijk van ontwerpers en kunstenaars vvan vandaag. In onze tijd beperken Nederlandse ontwerpers als Bart Hess, Ted Noten en Studio Drift zich al evenmin tot één discipline maar verkennen de grenzen van kunst, design en digitale media.

De overzichtstentoonstelling Jean Cocteau – Metamorphosis bestaat uit meer dan 250 werken.

Vele belangrijke bruiklenen zijn verschaft door het Musée Jean Cocteau collection Séverin Wunderman uit Menton, Frankrijk, het enige aan Cocteau gewijde museum ter wereld, en door de verzameling Kontaxopoulos | Prokopchuk te Brussel, de grootste internationale privéverzameling van het werk van Cocteau.

Daarnaast zijn er bruiklenen van o.m. Collection Cartier, Stedelijk Museum Amsterdam en de Koninklijke Verzamelingen.

Belangrijke werken uit de bruiklenen zijn o.a. het wandkleed Judith et Holoferne uit Menton, het kunstenaarsboek Le Mystère de Jean l’Oiseleur uit Brussel, het zwaard Epée d’Académicien van Collection Cartier en het manuscript-gedicht Hommage à Igor Strawinsky uit de Koninklijke Verzamelingen, door president Mitterrand geschonken aan prins Claus tijdens een staatsbezoek in Parijs.

Documentaire: Nicolas Patrzynski (www.patrzynski.com) heeft een documentaire gemaakt van Jean Cocteau. Het leven en werk van Cocteau vloeien in dit werk prachtig in elkaar over. De documentaire maakt onderdeel uit van de tentoonstelling.

De tentoonstelling wordt mede mogelijk gemaakt door Mondriaan Fonds, Prins Bernhard Cultuurfonds en Turing Foundation.

Te zien van 10 november 2018 t/m 10 maart 2019
Jean Cocteau – Metamorphosis

Design Museum Den Bosch
De Mortel 4
5211 HV Den Bosch

Dinsdag t/m zondag 11 – 17 uur
Maandag gesloten

  # more information Design Museum Den Bosch

fleursdumal.nl magazine

More in: Archive C-D, Art & Literature News, AUDIO, CINEMA, RADIO & TV, Exhibition Archive, Jean Cocteau, Surrealism, SURREALISM, Surrealisme


L.A. Raeven deelnemer expositie ROBOT LOVE

Robot love is een interactieve expo experience over de liefde tussen mens en robot. Meer dan 50 kunstenaars, ontwerpers en wetenschappers stellen de vraag of robots in staat zijn tot liefde. En of jij van ze kunt houden.

 

Wandel door het bijzondere gebouw en ontdek wat jij nu écht voelt, denkt en vindt van de invloed van techniek en innovatie op onze maatschappij. Een groot aantal werken is speciaal voor Robot Love gemaakt.

Robot Love is een grootschalige, internationale expo experience met tentoonstelling, publiek programma, partnerevents, educatieprogramma’s en een Robot Café. Robot Love vindt plaats van 15 september t/m 2 december 2018 in de Melkfabriek op het voormalige Campinaterrein in Eindhoven.

Robot Love zoekt de verbinding tussen mens en robot. Robots en AI als nieuwkomers moeten veel leren en worden opgevoed. Dat vereist aandacht, zorg en bovenal liefde. Om de belofte up close & personal with robots waar te maken zet Robot Love in op het bereiken van een breed en zeer divers publiek.

Robot Love heeft een optimistische benadering van robotisering en omarmt de komst van robots en AI, juist omdat het ons ook kansen biedt betere mensen te worden. Tegelijk worden ook de minder fraaie consequenties ervan onderzocht. Er is ruimte voor fascinatie, maar ook voor conflict, voor kwetsbaarheid, maar vooral voor liefde. Dat doet Robot Love door de organisatie van een expo experience op het snijvlak van kunst, design en wetenschap.

L.A. Raeven
Annelies, Looking for Completion, 2018, androïde robot

Werk in opdracht van stichting Niet Normaal

Hoe zou het zijn als je de mogelijkheid hebt om jezelf of je geliefde te kopiëren? Kun je daarmee de angst om verlaten te worden voorkomen? Met het werk Annelies, Looking for Completion, onderzoekt het kunstenaarsduo L.A. Raeven deze en andere vragen door het bouwen van een op henzelf lijkende androïde robot. De tweelingzusjes zijn bekend geworden met hun indringende en persoonlijke werk over maatschappelijke thema’s zoals de vergaande individualisering en het benauwende streven naar perfectie. Ook de ‘gekloonde’ drieling zus Annelies gaat in op deze ontwikkelingen en richt zich op het gevoel van eenzaamheid dat hier vaak uit voortkomt.

ROBOT LOVE
The Expo That Gets Under Your Skin

15 Sept – 2 Dec 2018
Di t/m Zo: 11:00 – 18:00
Vr: 11:00 – 21:00, Ma: gesloten
CAMPINA MELKFABRIEK
Kanaaldijk-Zuid t.h.v. nr. 3
EINDHOVEN

Robot Love | 15.09.2018 – 02.12.2018 | Campina Melkfabriek | Kanaaldijk-Zuid | Hugo van der Goeslaan | 5613 LE Eindhoven

# more on website robotlove

# robot love
L.A. Raeven: Annelies,
Looking for Completion, 2018, androïde robot
fleursdumal.nl magazine

More in: - Book News, Archive Q-R, Art & Literature News, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, L.A. Raeven, The talk of the town


Centre Pompidou: Le Cubisme

Pour la première fois en France depuis 1953, le Centre Pompidou consacre une exposition au cubisme au travers d’un vaste panorama de l’histoire du mouvement à Paris entre 1907 et 1917.

 

L’originalité du projet consiste à élargir la vision traditionnellement concentrée sur les grands noms du mouvement, Georges Braque, Juan Gris, Fernand Léger et Pablo Picasso, aux cubistes secondaires, comme Gleizes et Metzinger, ou différents tels Robert et Sonia Delaunay, Marcel Duchamp ou Francis Picabia, qui exposaient dans les salons officiels parisiens   lorsque les pionniers réservaient leurs créations expérimentales à un seul jeune marchand inconnu, Daniel-Henry Kahnweiler.

Riche de trois cents œuvres et de documents significatifs de son rayonnement, la présentation s’articule chronologiquement en quatorze chapitres où se détachent des chefs-d’œuvre comme le Portrait de Gertrude Stein (1905-1906) ou ceux d’Ambroise Vollard (1909) et de Daniel-Henry Kahnweiler (1910) par Picasso et des ensembles de peintures et de sculptures, jamais réunies. Elles mettent en valeur l’évolution à rebondissements du cubisme, remontant aux sources primitivistes (avec des sculptures tribales collectionnées par les artistes), et à la fascination des cubistes pour Gauguin et Cézanne. Elles reflètent la progression formelle du mouvement, d’une première étape cézannienne (avec la présence de l’exceptionnelle nature morte de Picasso, Pains et compotier sur une table, 1909) vers une transcription analytique hermétique (1910-1912) transformée en version plus synthétique (1913-1917), qui marque le retour de la représentation et de la couleur.

La part la plus révolutionnaire du cubisme – l’invention des papiers collés, des collages et des constructions de Braque, Picasso, Gris et Henri Laurens – est représentée par des grandes icônes de l’art du 20e siècle, comme la Nature morte à la chaise cannée de Picasso (1912) ou sa Guitare en tôle et fils de fer (1914). D’autres aspects illustrent l’importance et le prestige de la constellation cubiste : les liens avec la littérature sont retracés dans une salle dédiée aux critiques et aux poètes, incarnés par les portraits les plus marquants de Max Jacob ou d’Apollinaire, par le Douanier Rousseau et Marie Laurencin, les éditions Kahnweiler de livres cubistes, la collaboration entre les Delaunay et Blaise Cendrars autour de La Prose du Transsibérien en 1913, etc. La tragédie de la Grande Guerre (1914-1918) qui mobilise ou exile les artistes et leurs soutiens est retracée par des œuvres des artistes du front (Raymond Duchamp-Villon, Fernand Léger) ou de l’arrière parce qu’étrangers (Pablo Picasso, Cartes à jouer, verres, bouteille de rhum, « Vive la France », 1914-1915) qui témoignent de l’inévitable stérilisation du mouvement frappé par l’histoire (Marc Chagall, Les Portes du cimetière, 1917). La fin du parcours témoigne à la fois de la renaissance des rescapés comme Braque (La Musicienne, 1917-1918) et de l’influence exercée par le cubisme sur ses contemporains, comme Henri Matisse (Porte-fenêtre à Collioure, 1914) et ses héritiers abstraits (Piet Mondrian, Composition n°IV, 1914), Kasimir Malévitch, Croix noire, 1915 ou contestataires (Marcel Duchamp, Roue de bicyclette, 1913/1964), tous tributaires de la révolution cubiste.

Avec le soutien exceptionnel du Musée national Picasso-Paris
L’exposition est coproduite avec le Kunstmuseum de Bâle

# website centre pompidou

Expositions
Le cubisme

17 oct. 2018 – 25 févr. 2019 de 11h à 21h
Galerie 1 – Centre Pompidou, Paris

Centre Pompidou
Place Georges Pompidou, 75004 Paris

# Le Cubisme
Exposition Centre Pompidou
fleursdumal.nl magazine

More in: Art & Literature News, Art Criticism, Exhibition Archive, Gertrude Stein, Kubisme, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Piet Mondriaan, Sculpture


Frida Kahlo: Making Her Self Up in Victoria & Albert Museum London

 

Exhibition On now until Sunday, 4 November 2018
Frida Kahlo: Making Her Self Up
Experience a fresh perspective on Kahlo’s compelling life story through her most intimate personal belongings

This exhibition presents an extraordinary collection of personal artefacts and clothing belonging to the iconic Mexican artist Frida Kahlo. Locked away for 50 years after her death, this collection has never before been exhibited outside Mexico.

Frida Kahlo: Making Her Self Up offers a fresh perspective on the life story of this extraordinary artist, whose charisma and powerful sense of style continue to captivate. Never before seen, specially commissioned photography, shot at the Casa Azul in Mexico City show her distinctive Mexican outfits along with her self-portraits, an unprecedented pairing that is enriched by iconic images of the artist.

Book: Frida Kahlo – Making Her Self Up – offers a fresh perspective on the life story of this extraordinary artist, whose charisma and powerful sense of style continue to captivate. Never before seen, specially commissioned photography, shot at the Casa Azul in Mexico City show her distinctive Mexican outfits along with her self-portraits, an unprecedented pairing that is enriched by iconic images of the artist.

♦Includes six inset booklets, containing photographs of Kahlo’s most intimate possessions
♦16 page section showcasing Kahlo’s wardrobe, specially conserved and mounted
♦Spectacular details of embellishments and textiles

About the authors C. Wilcox and C. Henestrosa
Claire Wilcox is Senior Curator of Fashion at the V&A and Professor in Fashion Curation at the London College of Fashion, University of the Arts London. She curated the exhibitions Vivienne Westwood (V&A, 2004), The Golden Age of Couture: Paris and London 1947–1957 (V&A, 2007) and Alexander McQueen: Savage Beauty (2015), and edited the accompanying catalogues. Circe Henestrosa is an independent curator and Head of the School of Fashion at LASALLE College of the Arts, Singapore. She curated the exhibition Appearances Can Be Deceiving: The Dresses of Frida Kahlo (Museo Frida Kahlo, Mexico City, 2012).

Format: Hardcover
ISBN 9781851779604
Dimensions 270 x 216 mm
Author: C.Wilcox and C.Henestrosa
Product code 153329
£30.00

Victoria and Albert Museum
Cromwell Road, London, SW7 2RL

# exhibition and publication
Frida Kahlo: Making Her Self Up
in Victoria and Albert Museum London

fleursdumal.nl magazine

More in: - Book News, - Book Stories, Art & Literature News, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, FDM in London, Frida Kahlo, Galerie des Morts


Bruges Triennial 2018: Liquid City

From May 5 until September 16, 2018, Bruges will be the setting for the second edition of the Triennial, an art route in the heart of the historic city.

With the central theme ‘Liquid City’, the Triennial wants to investigate the role of a city like Bruges in a globalized and changing world. With the artistic and architectural installations, the participants of Triennale Brugge 2018 | Liquid City create welcoming public spaces in the city center. Those temporary interventions on little known and iconic places in Bruges offer great opportunities for encounter, wonder and dialogue.

Triennial Bruges 2018 will feature works by Jarosław Kozakiewicz (PL), Wesley Meuris (BE), Renato Nicolodi (BE), NLÉ – Kunlé Adeyemi (NG-NL), OBBA (KR), Roxy Paine (US), John Powers (USA), raumlabor (DE), Rotor (BE), Ruimteveldwerk (BE), Tomás Saraceno (AR), Jose Selgas & Lucia Cano (ES), Monir Shahroudy Farmanfarmaian (IR), StudioKCA (US), Peter Van Driessche – Atelier4 (BE).

The Bruges Triennial 2018, themed Liquid City reaches back to 2015 edition, which was a reflection on the city as a megapolis: “What if the 5 million visitors to the city decided to stay?”

This edition takes a step further: how flexible, liquid and resilient can a historic city like Bruges be in an age when nothing seems to be certain any longer? None other than Zygmunt Bauman, prophet of the permanent crisis in the West, devoted his final book to this phenomenon, a year before his death in January 2017.

In Retrotopia, Bauman invites the reader to question the dynamics of our society, as well as the metaphor “liquid” itself, the contemporary era as a time of transition, which today stands in stark contrast with the institutional framework that once formed a safe environment for our (grand)parents. Each institution in turn, whether the government, the church, political parties, insurance companies or banks, have lost the public’s trust. This renders society particularly vulnerable to fear-mongers.

This world is changing rapidly. Established ways of thinking and forms of life are under pressure. What does the future hold?

The Bruges Triennial 2018 co-curators Tilll-Holger Borchert and Michel Dewilde invited international artists and architects to think about these issues. Many of them sought inspiration in the city that is literally crisscrossed and surrounded by water.

The waterways that once earned Bruges its international renown, become a metaphor for Liquid City. Works of art, installations and meeting places have been put up in the city centre.

They form a free hospitable route that brings people together in unexpected spots. That is one of the main objectives of the Bruges Triennial 2018: generating encounters, challenging people not only to view the artworks but also to experience them and to become part of the creative process.

Participating internationally renowned architects include Kunlé Adeyemi, (Nigeria/Netherlands, NLÉ Architects), who designed the third version of MFS – Minne Floating School for Bruges, selgascano (Spain) who created the new swimming pavilion for Brugians and visitors alike on the city canal, and OBBA (Korea) who worked together with Bruges-based Architectuuratelier Dertien12 to construct The Floating Island, a meandering walkway on the water. Climate change and environmental issues are addressed through the installation of the Bruges Whale by StudioKCA (US), INFINITI designed by Peter Van Driessche of Aterlier4 (Belgium) suggests tiny housing situated on the water whereas the Aerocene project by Tomás Saraceno (Argentina) invites us to look to the sky. A very different approach is offered by Brussels-based collective Rotor who presents a museum dedicated to the Chinese Mitten Crab in the Poortersloge and an exotic eatery at the beach in Zeebrugge. raumlabor (Germany) has been working with local youths on their House of Time, a continuous project of building, experimenting and hands-on experience and the Belgian collective Ruimteveldwerk have persuaded the inhabitants of one of the historic almshouse complexes to help create their G.O.D. project. Further installations along the arts trail are created by artists such as Wesley Meuris (Belgium), Renato Nicolodi (Belgium), John Powers (US), Jarosław Kozakiewicz (Poland) and Monir Shahroudy Farmanfarmaian (Iran).

Additional art works, designs, models and documentary materials of all the participants are presented in the free Liquid City exhibition in the Poortersloge, the central information point of the Bruges Triennial 2018.

A further exhibition is located in the Church of the Great Seminary. Architectures Liquides, curated by Abdelkader Damani, is a selection of impressive visionary architectural models from the FRAC-Centre collection in Orléans (France).

The bilingual catalogue (Dutch/English) with contributions by Till-Holger Borchert, Michel Dewilde, Abdelkader Damani, Tom Trevor, Anna Lowenhaupt Tsing, Marc Van den Bossche ea. and photography by Iwan Baan is available at the Triennial information points, arts bookshops and online.

Triënnale Brugge 2018
Liquid City / Vloeibare Stad
Till-Holger Borchert, Michel Dewilde
Photogr.: Misc.
Format: 27 x 20
Pages 160
Hardcover
Dutch, English
ISBN 9789058565990
€ 29,95

# more information on website Bruges Triennial 2018

Bruges Triennial 2018: Liquid City – Contemporary art and architecture trail in the historic heart of Bruges – is open daily until September 16. Opening hours for the exhibitions and some installations: 12–6pm – Free of charge

Triënnale Brugge 2018
fleursdumal.nl magazine

More in: - Book News, Architecture, Art & Literature News, Art Criticism, Design, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, Historia Belgica, Land Art, Sculpture, Street Art, Urban Art


René Daniëls: Fragments from an Unfinished Novel

September at WIELS will be marked by the pictorial work and the poetic imagination of René Daniëls.

Come to discover over 75 paintings – several of which have never been exhibited and have been specially restored for the occasion – in addition to hundred drawings by the artist who has made his mark on the history of painting.

 

René Daniëls occupies a prominent place in the history of contemporary art from the latter half of the 20th century, despite the fact that his career was abruptly interrupted in 1987 after he suffered a stroke.

Emerging in the late 1970s, when figurative and expressive painting once again became popular, Daniëls soon developed an original, personal language. Although he enjoyed early recognition, Daniëls had no qualms about experimenting with different pictorial styles.

Nevertheless, certain motifs recur under constantly changing forms, following an associative, dream-like logic. Not unlike a composer, Daniëls devises variations on a theme. From 1984 onwards, one motif was to play a dominant role: that of an exhibition room seen in perspective. This form, resembling a bow tie, is reproduced in compositions in which he plays with mirroring effects, overlapping layers, or changes of direction.

Inspired by the title of one of the rare texts written by Daniëls, the exhibition Fragments from an Unfinished Novel explores the phenomenon of déjà vu and the relation between perception and memory, which lie at the heart of his practice.

Including historic paintings and several works never previously exhibited, the exhibition recounts the development of Daniëls’ visual language by exploring the effects of repetition and variation inherent in his work. A wide selection of drawings completes the presentation, offering a closer understanding of the evolution of his vocabulary.

René Daniëls:
Fragments from an Unfinished Novel
07.09.2018 – 06.01.2019

WIELS
Kunst · Brussel (stad)
Contemporary Art Centre
Avenue Van Volxemlaan 354
1190 Brussels

# more on exhibition rené daniëls

rené daniëls exhibition
fleursdumal.nl magazine

More in: - Book Stories, Art & Literature News, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, René Daniëls


Hans Ebeling Koning: Appelboom

Hans Ebeling Koning
Appelboom (Apple tree)

Hans Ebeling Koning (1931) received his education at AKI in Enschede where he later became a teacher in drawing and painting. His work is represented in many public and private collections including Museum Henriette Polak in Zutphen, Rijksmuseum Twente and the Museum of Modern Art in Arnhem.

Hans Ebeling Koning © 2018

fleursdumal.nl magazine

More in: Art & Literature News, Exhibition Archive, FDM Art Gallery, Hans Ebeling Koning


“Ad Fundum”, een hommage aan meester-graficus en tekenaar Ad Willemen in Luycks Gallery

Van 9 september tot en met 7 oktober organiseert Luycks Gallery in Tilburg: “Ad Fundum”, een hommage aan meester-graficus en tekenaar Ad Willemen.

 

Het is dit jaar vijf jaar geleden dat deze markante kunstenaar overleed. Zowel in Luycks Gallery als in het nabijgelegen voormalig atelier van Willemen wordt een keuze getoond uit zijn artistieke nalatenschap.

Willemens grote muze was het vrouwelijk naakt. In zijn grafisch werk citeerde hij veelvuldig en bevlogen uit de kunstgeschiedenis. Zijn fantasie werd geprikkeld door werk van onder meer Cranach, Rafael, Piero di Cosimo en Harunobu.

Begin jaren ’90 kwam hij voor het eerst naar buiten met zijn ‘apocriefe’ oeuvre: erotische tekeningen naar levend model. Met een ‘Lust zu Zeichnen’, zette hij tientallen vrouwen op even virtuoze als fijnzinnige wijze op papier. Zijn waarnemingen wist Willemen om te zetten in een eigen idioom, prikkelend, suggestief en provocerend met een subtiel oog voor kleur en detail. Zijn werk geniet grote nationale en internationale bekendheid en is opgenomen in tal van particuliere en overheidscollecties.

Op 21 september is er in Cinecitta bij wijze van hommage een filmavond rondom Willemen. Aanvang 20:00 uur, toegang gratis. Meer informatie www.luycksgallery.com en www.cinecitta.nl

De openingstijden van het atelier zijn gelijk aan die van de galerie. Adres: Bisschop Zwijsenstraat 23, Tilburg.

Luycks Gallery
Nieuwlandstraat 31
5038 SL Tilburg
tel: + 31 6 22 800 638
e-mail: info@luycksgallery.com

Ad Willemen in Luycks Gallery
fleursdumal.nl magazine

More in: Ad Willemen, Art & Literature News, Art Criticism, Exhibition Archive, FDM Art Gallery


Forum of Live Art Amsterdam 2018 in Arti et Amicitiae

FLAM (Forum of Live Art Amsterdam) 2018 is een jaarlijks terugkerende tentoonstelling in Arti et Amicitiae, waarin de grote verscheidenheid aan uitingen binnen de hedendaagse performancekunst ruimte krijgt.

FLAM VIII
Look at me, then look at me again
FLAM LIVE: 4 – 7 SEPTEMBER
FLAM ENCOUNTER: 12 – 30 SEPTEMBER

 

De achtste editie vangt aan met FLAM Live: een intensieve week van live-kunst, waarin het lichaam met diens vele betekenissen het medium is. Deze editie wordt uitgebreid met FLAM Encounter: een tentoonstelling met installaties die op verschillende manieren hun oorsprong vinden in een performance. Middels deze transformatie biedt FLAM VIII een podium voor zowel de efemere als de materiële kant van diverse artistieke praktijken.

Om verschillende perspectieven op de werken te activeren hanteert FLAM VIII een metaforisch kader. De performances in de live-week worden opgevat als elementen van een wilde tuin; de toeschouwers worden uitgenodigd door de wilde tuin te dwalen, en samen met anderen de live-ervaring te delen.

De tentoonstelling wordt opgevat als een cruise-tuin, waarin objecten een beweging aansporen. FLAM Encounter nodigt het publiek uit om met een cruisende attitude de tentoonstellingszalen te betrekken, verschillende gezichtspunten in te nemen en een persoonlijke relatie aan te gaan met de objecten en andere lichamen in de ruimte. Het programma is ontworpen om onverwachte kruisbestuivingen te genereren tussen de kunstenaars, hun werk en het publiek.

 

Richard John Jones, Matthew Day, Richard John Jones, Maison JaJa, Dionisios Argyropoulos Ioannou, Sara Giannini, Pauline Jardin Curnier, Clementine Edwards, Tirza Kater, Wilfried Tomescu, Giorgos Tsiongas, Rabea Ridlhammer, Lukas Hoffmann, Clara Saito – Christopher Tym, Kurt Dickriot, Lady Dada, Natasha Papadopoulou, keyon gaskin, Rose Akras, Titus Nouwens, Olivia Reschofsky, Alice Pons, Emilia Thorin, Alina Lupu, Jan-Pieter ’t Hart, Bea Correa, Katja Vercouteren, Alex Bailey, Roland Rauschmeier, Rebecca Chaillon, Tomislav Feller, Andrea Folache Zavala, Astrit Ismaili, Mami Kang, Maria Metsalu, Dora Longo Bahia, Harold Offeh, Marijn Ottenhof, Vincent Riebeek, Nicolas Roses, Mathias Ringgenberg, Antonia Steffens, Julian Weber, Philipp Gufler, Maria Metsalu, Hannah Perry, Sarah van Lamsweerde, Erin Hill

FLAM
Forum of Live Art
dinsdag 4 september 2018 t/m zondag 30 september 2018

Arti et Amicitiae
Rokin 112, 1012 LB Amsterdam
E-mailadres: arti@arti.nl
Telefoonnummer: 020-6245134

 # meer info op website Arti et Amicitiae 

Forum of Live Art Amsterdam 2018 in Arti et Amicitiae
fleursdumal.nl magazine

More in: # Music Archive, AUDIO, CINEMA, RADIO & TV, Dada, Dadaïsme, DANCE, Exhibition Archive, Performing arts, STREET POETRY, THEATRE


Hybrids 2018 – Lustwarande Tilburg

Hybrids borduurt voort op de thematiek van de exposities Luster en Disruption, die Lustwarande in 2016 en 2017 presenteerde, het Antropocene perspectief. De expositie sluit de triptiek af maar benadert de thematiek vanuit een geheel ander uitgangspunt, dat van de zogeheten post-internet generatie. Post-internet verwijst naar de generatie die van kinds af aan met digitalisering en internet is opgegroeid.

Hybrids focust op een generatie jonge kunstenaars, vaak aangeduid als post-internet, die de allesomvattende, digitale en beeldverzadigde wereld als uitgangspunt voor hun werk nemen. Deze generatie kunstenaars wordt gekenmerkt door een onderzoekende houding ten opzichte van de hedendaagse wereld. Voortschrijdende technologische ontwikkelingen en ecologische, economische en sociaal-culturele ontwikkelingen zijn belangrijke thema’s in hun werk. Maar vooral het idee dat we in een hyperrealiteit leven, waarbij media-beelden steeds meer de realiteit vervangen, staat centraal. In feite is er geen onderscheid meer tussen deze hyperrealiteit en de fysieke werkelijkheid. Deze samensmelting wordt aangeduid de term mixed realities. Post-internet kunstenaars erkennen deze mixed realities en negeren elke vermeende hiërarchie tussen beelden, of die nu plat 0f 3D zijn. Alle media, stijlen, technieken, vormen en materialen worden grenzeloos gecombineerd, wat resulteert in een erg hybride beeldtaal.

Daarbij bevragen ze veelvuldig de authenticiteit van het kunstwerk, een kwestie die Walter Benjamin in 1935 al aan de orde stelde in zijn invloedrijke essay Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit. Met de intrede van het digitale tijdperk is deze reproduceerbaarheid eindeloos geworden. Kopieën van kopieën behoren aan niemand meer toe en het origineel is niet meer aanwijsbaar of bestaat eenvoudigweg niet meer. Distributie van deze veelvoudig gekopieerde beelden gaat razendsnel via internet en wordt geleidelijk onderdeel van de wereldwijde share en like-cultuur.

Hybrids vindt plaats in de parkomgeving van Lustwarande, waarbij verwacht werd dat het contrast tussen de ‘natuurlijke elementen’ en de kunstwerken bijna niet groter leek te kunnen zijn. Ondanks hybride productieprocessen, waarbij digitale en analoge technieken in allerlei combinaties vermengd zijn, en het gebruik van sterk contrasterende materialen en vormen, waarbij industrieel tegenover organisch geplaatst wordt, vakmanschap tegenover DIY, lijkt de openbare ruimte van de parkomgeving de beschouwing en duiding van de werken te dwingen in de richting van klassieke sculptuur. De sculpturen en installaties zijn fysieke entiteiten, die wonderwel samengaan met de context waarin ze gepresenteerd worden. Tegelijkertijd wordt de relatie die de werken met deze omgeving hebben benadrukt: de Antropocene wereld, waarin natuur en cultuur, organisch en industrieel, digitaal en analoog één entiteit vormen. Locatie en werken verlenen elkaar hierdoor uiteindelijk extra zeggingskracht.

Hybrids – Lustwarande Tilburg
nog t/m 23 september 2018

Hybrids
23 juni – 23 september
tien post-internet kunstenaars

Neïl Beloufa (FR)
Giulia Cenci (IT)
Simon Denny (NZ)
Oliver Laric (AU)
Sarah Pichlkostner (AU)
Timur Si-Qin (DE)
Evita Vasiljeva (LV)
Raphaela Vogel (DE)
Anne de Vries (NL)
Dan Walwin (GB)

Brief Encounters ’18
16 september
drie event sculptures op één dag

Davide Balula (FR)
Thorsten Brinkmann (DL)
Lilibeth Cuenca Rasmussen (PH)

Educatie
Lustwarande brengt met zijn educatieve producten hedendaagse kunst op een aantrekkelijke manier onder de aandacht van leerlingen in het voortgezet onderwijs en primair onderwijs. De beeldende kunstprojecten van Lustwarande spelen in op de tijdsgeest. Het didactische concept van de educatieve producten wordt hierop afgestemd.

# Meer info op website fundament foundations

Hybrids – Lustwarande Tilburg
fleursdumal.nl magazine

More in: Art & Literature News, Dutch Landscapes, Exhibition Archive, Fundament - Lustwarande


Older Entries »

Thank you for reading FLEURSDUMAL.NL - magazine for art & literature